Cette exposition retrace les traces persistantes du colonialisme dans le contexte caribéen et explore l’eau en tant qu’archive vivante qui conserve les mouvements, les déplacements et les souvenirs. Loin d’être considérée comme une frontière, la mer apparaît comme un espace d’échanges où convergent les expériences humaines et non humaines.

• X Zhu-Nowell, directeur·rice exécutif·ve et conservateur·rice en chef du Rockbund Art Museum (RAM), Shanghai.

L’exposition présente en avant-première une installation vidéo éponyme à cinq canaux au sous-sol de l’espace d’exposition, accompagnée d’interventions sculpturales au rez-de-chaussée.
L’œuvre vidéo centrale se déploie sur cinq écrans, retraçant sept lieux en apparence sans rapport les uns avec les autres – de la plus grande exploitation floricole d’Europe à l’Institut national des jeunes aveugles à Paris. Baudelaire tisse ces sites disparates en une méditation sur la splendeur et la cruauté de la coexistence : un témoignage de la beauté et de l’absurdité de la manière dont nous vivons, travaillons et organisons nos vies collectives à un moment où les fondements de la société semblent de plus en plus fracturés.
L’exposition tire son titre de la dernière série de conférences de Roland Barthes, Comment vivre ensemble (1977), dans laquelle il observe : « Être étrangers les uns aux autres est inévitable, voire nécessaire et souhaitable — sauf quand la nuit tombe. » Se situant à ce seuil, l’œuvre ouvre un espace de réflexion sur les conditions que nous créons pour vivre ensemble, celles qui préserv

Flare-Up est la première exposition institutionnelle à Londres à réunir dix-sept artistes visuels britanniques et internationaux dont le travail explore la poétique et l’esthétique de la maladie, du handicap, de la neurodivergence et de la surdité. Ainsi, Flare-Up place, notamment, les pratiques britanniques contemporaines en dialogue avec des contextes internationaux et des mouvements antérieurs, notamment l’influence durable de l’art et de l’activisme liés au VIH/sida. Les œuvres de Felix Gonzalez-Torres et Derek Jarman retracent ces continuités intergénérationnelles. Cette filiation est particulièrement évidente dans Pillbox Dungeness Seed Bomb (2018) de Benoît Piéron, un pilulier chromatique contenant des gélules remplies de graines provenant des plantes de Prospect Cottage – le dernier refuge-jardin de Jarman à Dungeness, dans le Kent. L’impact considérable de cet héritage a été déterminant dans la formation des communautés crip et des stratégies artistiques, s’inspirant d’approches queer de l’abstraction et de l’opacité comme formes de l’esthétique crip.

Le cœur de l’installation est un film composé de 5 vues simultanées, tourné dans un immense entrepôt frigorifique aux Pays-Bas, où quarante-six millions de fleurs — acheminées par avion depuis des exploitations agricoles d’Afrique et d’Amérique du Sud — sont vendues aux enchères chaque matin.
Ce processus est capturé sous la forme d’une anthropologie visuelle hypnotique, à la fois séduisante — car les fleurs sont belles — et terrifiante — car l’ampleur de ce commerce mondialisé est écologiquement préoccupante.
Les séquences documentaires sont encadrées par la présence d’un observateur fictif qui arpente les rues la nuit, inspiré d’un personnage de la courte pièce de Luigi Pirandello L’Uomo dal Fiore in Bocca [L’Homme à la fleur dans la bouche]. La fleur, qui donne également son titre à l’installation, fait référence à un épithéliome – une tumeur qui était incurable à l’époque où Pirandello a écrit la pièce. Le protagoniste, sentant la mort approcher, se projette dans les moindres détails du monde qu’il observe intensément, comme un moyen d’échapper à son destin imminent.

Présentant quatre œuvres signées par cinq artistes — Dana Prieto & Safaa Alnabelseya, Deja Hosein, Euridice Zaituna Kala et Randa Maroufi —, l’exposition collective « Every Worker Should Have Equal Labour Rights » est organisée par Nima Esmailpour dans le cadre de la 41e édition du festival Mayworks, dédié aux travailleurs et aux arts. Chaque artiste présentée, travaillant avec différents supports, porte un regard critique sur les expériences vécues par les travailleurs, en établissant des liens entre les histoires d’injustice sociale et de résistance menée par les travailleurs dans les pays du Sud.

Dans un contexte de polarisation et de fragmentation croissantes dans le monde – et au sein de notre propre société –, l’exposition vise à créer les conditions d’un débat plus ouvert sur l’évolution de la relation entre l’art contemporain et son public en période de crises multiples. Mêlant œuvres historiques et contemporaines, Superglue, or Inventing the Friend interroge la rencontre avec l’autre à travers différentes notions d’altérité, l’émergence de la figure post-humaine et l’art contemporain lui-même comme quelque chose d’insaisissable, d’étranger. 

Pour cette commande destinée à l’escalier du MSN, Minh Lan Tran (née en 1997 à Hong Kong) étend le langage de la peinture abstraite à l’architecture. L’œuvre se déploie verticalement dans l’espace, comme un rouleau déroulé depuis le haut, prenant la forme d’une seule feuille de latex naturel de 19 mètres.

Suspendue dans la cage d’escalier, elle fonctionne comme une membrane translucide, sensible à la lumière, à la gravité et au mouvement, à travers laquelle circulent silencieusement des questions de matérialité, d’énergie et de transformation.  Alors que l’escalier suggère l’ascension, Tran contrebalance cette logique ascendante par une force gravitationnelle. L’œuvre réagit de la même manière aux corps qui descendent et qui montent, aux croisements et aux inversions. Elle peut être interprétée comme une émergence ou un retour : s’élevant du sol et s’y enfonçant à nouveau. Ce double mouvement se reflète dans le processus de production lui-même. Réalisée dans le sous-sol du musée et installée par un acte de levage, l’œuvre trace une trajectoire qui va du sous-sol à la surface, puis finalement vers le ciel. La peinture devient une conversation avec ce qui se trouve en dessous, positionnant l’œuvre d’art comme un médiateur entre la terre, le corps et la lumière.

Moyen de revisiter, reconstruire et récupérer des histoires effacées ou refoulées, Rememory symbolise l’intersection entre la mémoire et l’histoire, où le souvenir devient un acte de réassemblage de fragments du passé, qu’ils soient personnels, familiaux ou collectifs. La 25e édition de la Biennale explore l’espace délicat entre le souvenir et l’oubli. En s’engageant dans Rememory, les artistes mettront en lumière des récits marginalisés, partageront des histoires inédites et inviteront le public à repenser la manière dont la mémoire façonne l’identité, l’appartenance, ainsi que la création et la célébration de nouvelles communautés et de nouveaux liens.

• Paula Nascimento, co-commissaire de la future Sharjah Biennial 17 (Émirats arabes unis)