Magalí Arriola est une écrivaine et commissaire d’exposition installée à Mexico. Depuis plus de trente ans, ses projets explorent les liens entre l’art et la politique, mettant en avant la manière dont les pratiques artistiques révèlent des contextes sociaux, économiques et historiques plus larges. Soucieuse de porter un regard critique sur les histoires institutionnelles et de mettre en lumière les structures de pouvoir issues des systèmes coloniaux et capitalistes, Magalí Arriola mène des initiatives aux multiples facettes, telles que A Place out of History (2010/2018) et The Missing Circle (2017-2020) : il s’agit de projets à long terme, décomposés en plusieurs volets, qui remettent en question les récits normatifs et favorisent les dialogues transnationaux. Grâce à ses fonctions de direction au sein d’institutions telles que le Museo Tamayo à Mexico (directrice, 2019-2025), ArtBasel Miami (Meridians, 2019-2023) et la collection KADIST à San Francisco et à Paris (conservatrice en chef pour l’Amérique latine, 2017-2020), elle n’a cessé de soutenir des pratiques expérimentales qui interrogent la manière dont le sens est produit et diffusé dans les circuits artistiques tant locaux que mondiaux. Arriola a été commissaire du pavillon mexicain à la 58e Biennale de Venise (2019) et à la 8e Biennale de Panama (2008). Ses expositions ont été présentées dans des institutions telles que le Museo Tamayo, le Museo Jumex, le MAM de Medellín, le MoMA PS1, le SMAK et le Kunst Institute Melly (anciennement connu sous le nom de Witte de With).

Heidi Ballet est directrice de la Biennale Contour et conservatrice associée au DE SINGEL à Anvers. Elle enseigne également à l’Académie royale des Beaux-Arts d’Anvers.Sa pratique curatoriale explore les intersections entre l’art, la science et la société, avec un intérêt particulier pour le lieu, l’écologie et les histoires politiques. Elle a développé de nombreux projets d’art public, notamment And So, Change Comes in Waves, un parcours permanent en plein air mêlant art et science, commandé par la KU Leuven. En tant que directrice artistique de la Triennale de Beaufort (2018, 2021), elle a commandé des œuvres in situ pour la côte belge à des artistes tels que Michael Rakowitz, Jeremy Deller, Sammy Baloji, Nina Beier, Rossella Biscotti et Raphaela Vogel. En 2017, en collaboration avec Milena Hoegsberg, elle a organisé la Biennale des Lofoten (LIAF), intitulée I Taste the Future, qui abordait le changement climatique, l’extraction pétrolière et les histoires locales à travers les arts visuels et la performance. En 2016, elle a organisé l’exposition Our Ocean, Your Horizon au Jeu de Paume, à Paris, et au CAPC de Bordeaux. De 2012 à 2015, elle a été conservatrice de recherche à la Haus der Kulturen der Welt (HKW) à Berlin, où elle a travaillé sur les expositions After Year Zero et Ape Culture, et a occupé le poste de conservatrice adjointe de la Biennale de Taipei 2012. Ses textes ont été publiés dans Mousse, ArtReview, Art Papers et Randian. Elle est membre du comité d’acquisition du FRAC Grand Large.

Iwona Blazwick est commissaire d’exposition et écrivaine. Ancienne directrice de la Whitechapel Gallery, responsable des expositions et des présentations à la Tate Modern et directrice des expositions à l’ICA de Londres, elle a organisé de nombreuses rétrospectives individuelles d’artistes contemporains et historiques, ainsi que des expositions collectives d’art moderne et contemporain provenant du monde entier. Elle est Curatrice en Chef de Wadi AlFann et d’Arts AlUla, co-commissaire de l’exposition Sculpture in the Garden : The Storytellers au Worcester College d’Oxford, et a commandé de nombreux projets d’”art dans le paysage”. Iwona Blazwick a été rédactrice en chef fondatrice des monographies Phaidon Contemporary Artists et de la collection Documents of Contemporary Art de la Whitechapel Gallery et du MIT. Ses écrits sur l’art et les artistes de notre époque ont été publiés dans le monde entier.

Vasyl Cherepanyn est le curateur de la 14e Biennale de Berlin pour l’art contemporain (2027). Né en 1980 à Ivano-Frankivsk, en Ukraine, il vit actuellement à Berlin. Titulaire d’un doctorat en philosophie, il a enseigné dans diverses universités, notamment au département d’études culturelles de l’Université nationale de l’Académie Mohyla de Kiev, à l’Institut d’études avancées de critique politique de Varsovie, à l’Université d’Helsinki, à l’Université européenne Viadrina de Francfort-sur-l’Oder et au Krupp Wissenschaftskolleg Greifswald de l’Université de Greifswald. Il a cofondé le Centre de recherche sur la culture visuelle (VCRC), organisateur institutionnel de la Biennale de Kiev et membre fondateur de l’Alliance des biennales d’Europe de l’Est (EEBA). Cherepanyn fait partie de l’équipe de commissaires de la Biennale de Kiev, qui s’achèvera par un nouveau volet au KW Institute for Contemporary Art en 2026 et qui a déjà été présentée au Musée d’art moderne de Varsovie, au M HKA – Musée d’art contemporain d’Anvers, au Centre de culture contemporaine de Dnipro, au Centre Dovzhenko à Kiev et au Lentos Kunstmuseum de Linz. En 2024, il a co-organisé Kyiv Perennial à Between Bridges, à la neue Gesellschaft für bildende Kunst (nGbK) et à la Prater Galerie à Berlin. Il a également co-organisé plusieurs éditions de la Biennale de Kiev, telles que Allied (2021), Black Cloud (2019), The Kyiv International (2017) ou The School of Kyiv (2015), et a été commissaire du programme public Armed Democracy à la Biennale de Varsovie (2022), de l’exposition Hybrid Peace au Stroom Den Haag (2019), The European International à la Rijksakademie van beeldende kunsten d’Amsterdam (2018) et Global Protest à l’Open University of Maidan (2013), entre autres. Il a édité des publications telles que Society of the Frontline: A Guidebook of Kyiv Perennial (nGbK, 2025), ’68 NOW (Archive Books, 2019) et Guidebook of the Kyiv International (Medusa Books, 2018), et a été coéditeur de l’édition ukrainienne du magazine Political Critique de 2011 à 2014.

Laurie Cluitmans est curatrice, écrivaine et chercheuse. Depuis janvier 2026, elle occupe le poste de directrice de Nest Hague. Nest est un centre d’art contemporain situé à La Haye qui explore des questions sociales, politiques et culturelles urgentes à travers des expositions, des commandes, des programmes publics et des actions pédagogiques. En collaboration avec des artistes locaux, nationaux et internationaux, Nest développe des expositions thématiques qui relient la pratique artistique à des contextes sociétaux plus larges et à l’expérience vécue. Avant de rejoindre Nest, Laurie Cluitmans était conservatrice d’art contemporain au Centraal Museum, où elle a consolidé la place de l’art contemporain grâce à un programme alliant actualité et racines historiques, interventions temporaires et programmes de recherche à long terme. Elle a notamment organisé des expositions de recherche transhistoriques telles que The Botanical Revolution en 2021, pour laquelle elle a compilé et édité la publication On the Necessity of Gardening ; An ABC on Art, Botany and Cultivation (conçue par Bart de Baets) et Good Mom/Bad Mom en 2025, qui s’accompagnait de Mothering Myths: An ABC on Art, Birth and Care (en collaboration avec Heske ten Cate). Elle a par ailleurs organisé de nombreuses expositions individuelles, notamment avec Basel Abbas et Ruanne Abou-Rahme, Ansuya Blom, Pauline Curnier Jardin, Rory Pilgrim et Sara Sejin Chang (Sara van der Heide). Outre son travail de commissaire d’exposition, Cluitmans contribue régulièrement à des magazines tels que MetropolisM et De Witte Raaf.

Max Delany est un commissaire d’exposition et écrivain indépendant avec une vaste expérience en matière de direction et de commissariat d’exposition, acquise au sein de musées d’art publics, d’espaces d’art contemporain, d’universités, de maisons d’édition et dans la sphère publique. Max a occupé les fonctions de directeur artistique et de directeur général de l’Australian Centre for Contemporary Art, à Melbourne, de 2016 à 2024. Il a auparavant occupé le poste de curateur en chef chargé de l’art contemporain à la National Gallery of Victoria, à Melbourne (2012-2016), et celui de directeur du Monash University Museum of Art (2004-2012). Il a également été directeur de Gertrude Contemporary (1999-2004) et curateur au Heide Museum of Modern Art (1995-1999). Depuis 2011, Max occupe le poste de professeur associé adjoint en pratique curatoriale au département d’art, de design et d’architecture de l’université Monash, et préside actuellement la chaire Next Wave.

Nadine Droste est née à 1982 à Hambourg, vit et travaille à Bruxelles. Elle a étudié à l’Université des Beaux-Arts de Hambourg (HFBK) et a suivi le programme d’études en commissariat d’exposition à l’Université Goethe de Francfort et à la Städelschule, où elle a obtenu son diplôme avec un mémoire consacré aux institutions critiques. En 2018, elle a fondé l’espace d’exposition expérimental VIS à Hambourg. De 2019 à 2023, elle a occupé le poste de directrice du Kunstverein de Bielefeld, où elle a collaboré avec des artistes tels que SoiL Thornton, Vaclav Pozarek, Julie Béna, Ramaya Tegegne, Rindon Johnson, Toni Schmale, Cudelice Brazelton IV, Lorenza Longhi, Lia Perjovschi, Olivier Foulon, Yeşim Akdeniz, Marie Cool Fabio Balducci, Adriana Lara et Bady Dalloul. Après avoir occupé le poste de codirectrice artistique de La Salle de bains à Lyon, Droste a mené des recherches sur les dimensions politico-corporelles dans l’œuvre de Sophie Podolski. Elle travaille actuellement comme commissaire d’exposition au Goethe-Institut de Bruxelles.

Verena Gamper est historienne de l’art et commissaire d’exposition. Ses recherches portent principalement sur la théorie et la critique du modernisme, l’intermédialité et l’interdisciplinarité, l’histoire des expositions et de leur réception, ainsi que sur les formes d’appropriation et la notion d’auteur. Elle est commissaire de la collection du XXe siècle au Belvédère depuis 2023, où elle a organisé les expositions Visionary Spaces. Walter Pichler Meets Frederick Kiesler in a Display by Sonia Leimer ; Angelika Loderer : Soil Fictions en 2024 et Wotruba International en 2025. Auparavant, elle a été conservatrice à la Kunsthalle Krems de 2014 à 2017 (Abstract – Spatial. Peinture dans l’espace ; Tobias Pils : Sans titre ; Remastered : L’art de l’appropriation), puis au Musée Leopold de 2018 à 2022 (The Body Electric : Erwin Osen – Egon Schiele ; Ludwig Wittgenstein : La photographie comme pratique analytique, entre autres).

La Professeure Tessa Giblin est directrice de la Talbot Rice Gallery de l’université d’Édimbourg et titulaire d’une chaire personnelle en commissariat d’exposition contemporain à l’Edinburgh College of Art. Elle a occupé divers postes de commissaire d’exposition en Écosse, en Irlande, aux Pays-Bas et en Aotearoa/Nouvelle-Zélande, où elle est née et a grandi. Au sein de la Talbot Rice Gallery, elle a organisé des expositions et publié des ouvrages avec Samson Young, Angelica Mesiti, Emeka Ogboh, Celine Condorelli, Jesse Jones, El Anatsui et Wael Shawky, et a organisé de nombreuses expositions collectives abordant la culture, la politique et les changements qui s’opèrent dans le monde qui nous entoure. Auparavant, elle a été conservatrice au Project Arts Centre de Dublin de 2006 à 2016, commissaire invitée de l’exposition du festival steirischer herbst 2015 à Graz, en Autriche, ainsi que commissaire et responsable de la délégation irlandaise à la Biennale de Venise en 2017 avec Tremble Tremble de Jesse Jones, une exposition qui a ensuite fait l’objet d’une tournée à Bilbao, Adélaïde, Singapour, Dublin et Édimbourg.

Johan Gustavsson (né à Stockholm en 1978) est curateur et enseignant à La Haye, aux Pays-Bas. Il est codirecteur et conservateur de 1646 et enseigne à l’Académie royale des beaux-arts de La Haye depuis 2006. Il donne régulièrement des conférences dans des académies d’art et des institutions du monde entier et siège au jury de la Sofia Art Fair en Bulgarie. Il est également membre du jury de plusieurs prix artistiques. Gustavsson est également cofondateur d’Alternativeartguide.com et a précédemment présidé le conseil d’administration de Page Not Found. Depuis 2020, il est commissaire de l’exposition annuelle de grande envergure « Prospects » pour le Mondriaan Fund, en parallèle d’Art Rotterdam. Il a également occupé le poste d’ambassadeur culturel de la ville de La Haye et a collaboré avec des musées, des galeries et des institutions artistiques du monde entier.

Cinthya García Leyva est chercheuse et responsable d’institutions culturelles née à Mexico. Depuis 2020, elle occupe le poste de directrice générale et artistique de la Casa del Lago de l’UNAM, où elle promeut les pratiques interdisciplinaires et intermédiatiques. Elle est depuis six ans la directrice artistique du festival Poesía en Voz Alta au sein de cette institution. Titulaire d’un master en littérature comparée de l’UNAM, elle est actuellement doctorante. Elle a organisé des projets et donné des conférences dans des institutions des Amériques et d’Europe ; ses travaux de recherche, axés sur le son et la poétique expérimentale, sont publiés dans des revues nationales et internationales. Elle a cofondé le programme Art, Science et Technologie (ACT), a dirigé la série radiophonique « Islas Resonantes » sur Radio UNAM, et est rédactrice invitée et autrice de la préface de La materia del sonido (Gris Tormenta).

Tamsin Hong est conservatrice à la Serpentine Gallery située dans les jardins de Kensington à Londres. Elle s’intéresse aux systèmes de connaissances et aux pratiques incarnées par les femmes.
Née sur le territoire non cédé de Ngunnawal, dans la région aujourd’hui connue sous le nom d’Australie, Hong est conservatrice des expositions à la Serpentine, où ses projets comprennent Arpita Singh : Remembering (2025), Yinka Shonibare CBE : Suspended States (2024) et Georg Baselitz : Sculptures 2011-2015 (2023). Elle était auparavant conservatrice adjointe à la Tate, spécialisée dans les acquisitions liées à la performance, à l’Afrique et à l’Australie. Hong a co-organisé l’exposition sur les droits fonciers A Year in Art: Australia 1992 et des performances telles que Our Labyrinth de Lee Mingwei et l’exposition en direct de 2020, Our Bodies, Our Archives.

Ruba Katrib est curatrice en chef et directrice des affaires curatoriales au MoMA PS1, à New York, où elle supervise le programme curatorial du musée et fait partie de l’équipe de direction. Au PS1, elle a organisé des expositions telles que Ayoung Kim : Delivery Dancer Codex (2025), The Gatherers (2025), Rirkrit Tiravanija : A LOT OF PEOPLE (2023), Jumana Manna : Break, Take, Erase, Tally (2022), Frieda Toranzo Jaeger : Autonomous Drive (2022), Greater New York (2021), Niki de Saint Phalle : Structures for Life (2021), la rétrospective de Simone Fattal (2019), ainsi que des expositions personnelles d’Edgar Heap of Birds (2019), du Karrabing Collective (2019), de Fernando Palma Rodríguez et de Julia Phillips (2018). De 2012 à 2018, Katrib a été conservatrice au SculptureCenter de New York, où elle a organisé plus de vingt expositions, dont 74 million million million tons (2018, co-organisée avec l’artiste Lawrence Abu Hamdan), ainsi que des expositions personnelles de Carissa Rodriguez, Kelly Akashi, Sam Anderson, Teresa Burga, Nicola L., Charlotte Prodger, Rochelle Goldberg, Aki Sasamoto, Cosima von Bonin, Anthea Hamilton, Araya Rasdjarmrearnsook, Magali Reus, Gabriel Sierra, Erika Verzutti et David Douard. En 2018, Katrib a co-organisé la biennale de SITE Santa Fe, Casa Tomada, avec José Luis Blondet et Candice Hopkins.

Valentinas Klimašauskas (né en 1977) est commissaire, écrivain et directeur du CAC, Centre d’art contemporain de Vilnius depuis janvier 2025. Il est commissaire de la 1re Biennale de Klaipėda en 2025 et du pavillon lituanien à la Biennale de Venise en 2024 (co-commissariat avec João Laia, artistes exposés : Pakui Hardware et Marija Teresė Rožanskaitė). Avec João Laia, Valentinas a aussi organisé The Endless Frontier, la 14e Triennale balte au CAC Vilnius (2021). En 2019, aux côtés d’Inga Lāce, il a assuré le commissariat de Saules Suns, une exposition solo de Daiga Grantina pour le pavillon letton à la Biennale de Venise. Il a notamment assuré le commissariat des expositions suivantes : Ocean Eyes, le festival Coast Contemporary à Lofuotta/Láfot/îles Lofoten (2023) ; Today, yesterday, tomorrow, une partie non commerciale de l’ArtVilnius’23 ; nEYEYEght à la Galeria Francisco Fino, Lisbonne (2023) ; Fluid bodies, une série de 5 expositions à Nemuno 7, Zapyškis (2022) ; An Incomplete & Unreliable Guide to Social Media War Room dans le cadre du festival Curated by à la galerie Georg Kargl, Vienne (2021) et The sex lives of fruit flies à la galerie Low, Riga (2021). Klimašauskas est l’auteur de Telebodies. Bleeding Subtitles for Postrobotic Scenes (Mousse Publishing, 2024), Polygon (Six Chairs Books, 2018), Oh, My Darling & Other Rants (The Baltic Notebooks of Anthony Blunt, 2018) et B (Torpedo Press, 2014).

Luca Lo Pinto est un commissaire d’exposition et éditeur italien. Il a été directeur artistique du MACRO – Musée d’art contemporain de Rome de 2020 à 2025. De 2014 à 2019, il a occupé le poste de commissaire à la Kunsthalle Wien. Il est cofondateur du magazine et de la maison d’édition NERO. Il a organisé de nombreuses expositions individuelles avec des artistes tels qu’Emilio Prini, Simone Forti, Michel Auder, Nathalie du Pasquier, Jason Dodge, Tony Cokes, Friedl Kubelka, Cinzia Ruggeri, Camille Henrot, Olaf Nicolai, Pierre Bismuth, Babette Mangolte, Lawrence Weiner, Gelatin & Liam Gillick, Charlemagne Palestine, Lisa Ponti, Darren Bader, ainsi que des publications avec Mario Garcia Torres et Mario Diacono. Parmi ses autres projets de commissariat dont The Screen is a Muscle (Gallerie d’Italia, Turin) ; I am only the housekeeper, but I don’t know… (Maison Plečnik, Ljubljana) ; la 16e Quadriennale d’art (Palazzo delle Esposizioni, Rome) ; Le Regole del Gioco (Studio-Musée Achille Castiglioni, Milan) ; Trapped in the closet (Bibliothèque Carnegie/FRAC Champagne-Ardenne, Reims), Antigrazioso (Palais de Tokyo, Paris) ; AnderSennoSogno (Musée H.C. Andersen, Rome) ; D’après Giorgio (Fondation Giorgio de Chirico, Rome) ; Conversation Pieces (Musée Mario Praz, Rome). En 2012, il a édité l’ouvrage Documenta 1955-2012. L’histoire sans fin de deux amants. Il a contribué à de nombreux catalogues d’exposition et magazines (Flash Art, Kaleidoscope, Mousse, Purple, Spike, Rolling Stone, All In, Capsule).

Dr. Ivana Marjanović est curatrice et autrice. Née à Belgrade, en Yougoslavie, elle vit à Innsbruck, en Autriche. Elle est l’autrice de l’ouvrage QueerBeograd Cabaret. Un espace partagé entre la culture queer, l’antifascisme et la politique sans frontières (transcript Verlag, 2024). Son travail porte principalement sur la production artistique et culturelle dans les contextes du transfert de savoirs transnationaux, de la migration, de l’espace post-yougoslave, des débats sur le genre et du changement climatique. Depuis 2019, elle occupe le poste de directrice artistique et générale de KUNSTRAUM INNSBRUCK. Marjanović a obtenu en 2005 un diplôme d’histoire de l’art à la Faculté de philosophie de l’Université de Belgrade ; en 2017, elle a obtenu un doctorat en philosophie au Département d’études artistiques et culturelles de l’Académie des Beaux-Arts de Vienne. Entre 2016 et 2018, elle a collaboré avec Nataša Mackuljak en tant que directrice artistique et générale du festival WIENWOCHE, dédié à l’art et à l’activisme à Vienne ; en 2006, elle a fondé la galerie Kontekst à Belgrade avec Vida Knežević, où elle a travaillé comme commissaire d’exposition jusqu’en 2009.

Sarah McCrory est la première directrice du Goldsmiths Centre for Contemporary Art (CCA), qui a ouvert ses portes en 2018. Auparavant, elle a dirigé Glasgow International, un festival biennal d’arts visuels, de 2013 à 2017, et a été commissaire de Frieze Projects dans le cadre de la Frieze de 2010 à 2012, où elle a notamment organisé un programme pour le Festival des Jeux Olympiques de Londres 2012.  Elle a codirigé le Studio Voltaire de 2008 à 2010 et a été directrice de Vilma Gold de 2006 à 2008. Parallèlement à ces fonctions, elle est actuellement commissaire de la galerie Monteverdi en Toscane et travaille comme commissaire consultante pour la LYRA Art Foundation. Elle a siégé au jury du prix Turner en 2014, au conseil d’administration de Studio Voltaire, et a été fondatrice puis membre du conseil d’administration de l’Open School East, à Londres/Margate.

João Mourão et Luís Silva forment un duo de commissaires d’exposition dont la carrière a débuté en 2009, lorsqu’ils ont cofondé la Kunsthalle Lissabon, une plateforme dédiée aux modèles institutionnels expérimentaux. Ils ont été les commissaires du pavillon du Portugal lors de la 59e édition de la Biennale de Venise (2022) avec « Vampires in Space », un projet personnel d’Isadora Neves Marques. Parmi les projets récents dont ils ont assuré la programmation, on peut citer des expositions personnelles d’Inês Zenha (CA2M, Madrid, Espagne), de Mounira Al Solh (Musée Serralves, Porto, Portugal), de Jonathas de Andrade (CRAC Alsace, Altkirch, France) et de Manuela Solano (Pivô, São Paulo, Brésil), entre autres. En tant que codirecteurs de la Kunsthalle Lissabon, ils ont présenté des expositions personnelles de June Crespo, Saodat Ismailova, Teresa Solar, La Chola Poblete, Sara Sadik, Gabriel Chaile, Sheroanawe Hakihiiwe, Ad Minoliti, Zheng Bo, Laure Prouvost, Caroline Mesquita, Sol Calero, Petrit Halilaj et Naufus Ramírez-Figueroa, parmi beaucoup d’autres. Parallèlement à leur activité de commissaires d’exposition, ils contribuent régulièrement à diverses publications et ont édité plusieurs monographies.

Paula Nascimento (Luanda, 1981) est une architecte et commissaire indépendante basée à Luanda. Son travail porte sur les arts visuels et les pratiques culturelles, à la croisée d’autres disciplines comme  l’urbanisme, la géopolitique et l’éducation artistique. Un aspect important de sa pratique repose sur des méthodologies interdisciplinaires et un intérêt pour les lectures contemporaines de thèmes historiques en Afrique et dans le Sud global. Elle est commissaire associée des VIe et VIIe Biennales de Lubumbashi et a développé des projets et organisé des expositions à l’échelle internationale, notamment à la Biennale d’architecture de Venise, à la Biennale d’art de Venise, aux Rencontres de Bamako – Biennale africaine de la photographie, à Experimenta Design et à la Triennale de Milan. Entre 2022 et 2025, elle a été présidente du comité artistique de la Nesr Art Foundation, commissaire de la section africaine à Arco Lisboa, conseillère en conservation au Hangar – Centre de recherche artistique et membre du comité des acquisitions du CAM – Centre d’art moderne de la Fondation Calouste Gulbenkian. Paula a été nommée commissaire de la 17e Biennale de Sharjah et a reçu le Lion d’or de la meilleure participation nationale à la Biennale de Venise en 2013, ainsi que plusieurs autres prix.

Gabi Ngcobo est commissaire d’exposition et directrice du Kunstinstituut Melly, Rotterdam. En janvier 2024, elle prend la direction du Kunstinstituut Melly à Rotterdam. Au sein de cette institution, elle continue de favoriser le dialogue critique, l’apprentissage collectif et de nouvelles formes de collaboration artistique. Avant de rejoindre Melly, Gabi était directrice de la programmation au Javett Art Centre de l’université de Pretoria (Javett-UP), où elle a joué un rôle clé dans la réinvention de l’institution en tant qu’« académie vivante ». À travers des expositions telles que Handle with Care (2021) et Scenorama (2022), elle a dynamisé la recherche autour des collections, l’apprentissage collectif et les échanges transnationaux. Parallèlement à son travail institutionnel, Gabi a développé de nombreux projets curatoriaux indépendants et des collaborations à travers l’Afrique, l’Europe et au-delà. En tant que membre du comité de commande de la Hartwig Art Foundation (2021–2025), elle a contribué à la mise en place de nouvelles commandes auprès de Nolan Oswald Dennis, Luana Vitra et Jabu Arnell. Gabi est largement reconnue pour son engagement en faveur de pratiques curatoriales collaboratives et expérimentales. Elle a été commissaire de la 10e Biennale de Berlin, We Don’t Need Another Hero (2018), et co-commissaire de la 32e Biennale de São Paulo,  Incerteza Viva (2016), deux expositions marquantes qui ont remis en question les récits dominants et élargi les possibilités de l’imagination artistique et politique.

Leonie Radine est historienne de l’art et occupe depuis 2022 le poste de curatrice au Museion – Musée d’art moderne et contemporain de Bolzano. Avant l’exposition personnelle d’Evelyn Taocheng Wang et la rétrospective consacrée à l’artiste française Nicola L., elle a (co-)organisé de nombreuses expositions collectives, telles que Graffiti, RENAISSANCE, HOPE et Asad Raza : Plot, qui présentait de nouvelles œuvres in situ de BB (Alessandro Bava et Fabrizio Ballabio), Lydia Ourahmane et Moriah Evans. De 2015 à 2022, Radine a travaillé au Musée Ludwig de Cologne, où elle a organisé des expositions collectives transdisciplinaires et collaboré à divers projets, notamment des rétrospectives consacrées à Wade Guyton et Haegue Yang. Elle a également été commissaire invitée pour l’exposition de Flaka Haliti à la Galerie nationale de Tirana en 2018, commissaire adjointe pour deux expositions de pavillon consacrées à Maria Eichhorn (2022) et à Heimo Zobernig (2015) à la Biennale de Venise, et a écrit pour des magazines d’art internationaux tels que Mousse.

Michael Raymond est curateur au Yorkshire Contemporary, où il organise le Turner Prize 2025 au Cartwright Hall, à Bradford. Auparavant, il était curateur en charge de l’art international à la Tate Modern, où il s’occupait des acquisitions, des expositions et des collections, notamment Philip Guston (2023), Cézanne (2022) et Nam June Paik (2019). Il a récemment collaboré avec Steffi Klenz à son exposition An Alluring Maquette (2024) au NOUA dans le cadre du programme Bodø, capitale européenne de la culture. Il a également travaillé au British Museum sur des expositions telles que Manga (2019), Rodin et l’art de l’Antiquité Grecque (2017), Hokusai (2017) et a coordonné les expositions Asahi Shimbun Displays.

Alberto Salvadori est curateur, le fondateur et directeur de l’ICA Milano, ainsi que le directeur de la succession d’Ugo Mulas. Il est spécialisé dans les stratégies culturelles et l’élaboration de stratégies muséales. Titulaire d’un diplôme d’histoire de l’art de l’université de Pise, il a bénéficié de bourses d’études à l’université du Sussex et à l’université de Reading, et a obtenu un diplôme de spécialisation en histoire de l’art européen moderne et contemporain. En 2001, il a obtenu un MPhil en études curatoriales à l’Académie de Brera à Milan. De 2003 à 2009, il a été conservateur chargé du catalogue des collections du musée de la Galerie moderne du Palazzo Pitti à Florence ; de 2009 à 2016, il a occupé le poste de directeur artistique de la Fondation Marino Marini (Florence) ; de 2007 à 2020, celui de directeur de l’Observatoire des arts contemporains de la Fondation de la Banque de Florence (Fondazione CRF de Florence ; de 2007 à 2020, il a été directeur de l’Observatoire des arts contemporains de la Fondation de la Banque de Florence (Fondazione CRF). De 2016 à 2022, il a conçu et réalisé, pour le compte de la famille San Giuliano-Ferragamo, le musée HZero à Florence. De 2021 à 2023, il a supervisé la réalisation et l’inauguration du nouveau pavillon du Magazzino Italian Art (New York). Il possède une expérience des foires d’art en Italie ; il est commissaire de l’espace « Ventesimo+ » à Arte Fiera de Bologne. Auparavant, de 2023 à 2025, il a été commissaire de la section « Multiply » à Arte Fiera de Bologne et, de 2016 à 2022, commissaire des sections « Modern » et « Decades » au MIART de Milan. Il a mené à bien plusieurs projets muséaux au Mart de Rovereto, à la Fondazione Strozzi de Florence, aux Stanze della Fotografia de Venise, au Museo Madre de Naples, au CCA de Montréal, à la Fondazione Ibereè Camargo de Porto Alegre, à la Pinacoteca di Stato de São Paulo, au Museo da Casa Brasileira de São Paulo, au CCBB de São Paulo et de Rio de Janeiro, ainsi qu’au Magazzino Italian Art de Cold Spring, à New York. Il siège au comité scientifique de la Fondazione Pomodoro, à Milan, et du Centro per l’arte Contemporanea Luigi Pecci de Prato. Il a siégé au conseil d’administration de plusieurs institutions culturelles : l’Istituzione Musei Civici de Bologne, Polimoda (Florence), la Fondazione Ragghianti (Lucques), la Fondazione Pomodoro (Milan), le Magazzino Italian Art (Cold Spring, New York) et l’Italian Council (Rome).  Il est professeur d’études curatoriales à Polimoda, à Florence, et chroniqueur pour The Art Newspaper. Parmi les expositions individuelles qu’il a organisées, on peut citer celles consacrées à Puvis de Chavannes, Giorgio Morandi, Marino Marini, Mario Schifano, Bruno Munari, Ugo Mulas, Ettore Spalletti, Gordon Matta-Clark, Lynn Chadwick, Hans Josephson, James Lee Byars, Andrea Zittel, Liam Gillick, Simone Fattal, Charles Atlas, Simone Forti, Miriam Cahn, Tomoo Gokita, Erika Verzutti, Jonathas De Andrade, Christine Safa, Leda Catunda, Michael Anastassiades, Formafantasma, Jasper Morrison, ainsi qu’une exposition collective intitulée Radical Utopia and Beyond et une performance avec Mario Garcia Torres, Cally Spooner et Opavivarà. Parmi les projets à venir : une exposition personnelle de Marina Rheingantz, VALIE EXPORT – Ketty La Rocca. The body sign.

Pr. Margriet Schavemaker a suivi une formation d’historienne de l’art et de philosophe à l’Université d’Amsterdam. Elle est spécialisée dans la culture moderne et contemporaine ainsi que dans les musées. La contre-culture, le féminisme, les nouveaux médias, ainsi que la diversité et l’inclusion sont au cœur de sa pratique multidisciplinaire, qui englobe principalement la conception d’expositions, de programmes publics et de publications, ainsi que l’écriture, les conférences et les interventions dans les médias. Depuis 2024, elle occupe le poste de directrice générale du Kunstmuseum Den Haag. À ce titre, elle est également responsable du Fotomuseum Den Haag, du KM21 et du musée Escher. Schavemaker occupe également depuis 2018, le poste de professeure en « Médias et art dans la pratique muséale », au sein du département d’études des médias de l’Université d’Amsterdam. Auparavant, en tant que directrice artistique de l’Amsterdam Museum entre 2019 et 2024, Schavemaker était responsable de la collection et de la programmation du musée, en mettant l’accent sur la co-création, la collaboration avec les artistes et la décolonisation du musée. À ce titre, elle a été l’une des initiatrices de la campagne visant à décourager l’utilisation du terme « Âge d’or » comme synonyme du XVIIe siècle. L’exposition polyphonique The Golden Coach (2021–2022) et la publication qui l’accompagne (WBooks) ont continué à alimenter le débat sur la manière d’aborder un patrimoine contesté. Entre 2009 et 2019, Schavemaker a dirigé divers départements au sein du Stedelijk Museum d’Amsterdam.

Fabian Schöneich occupe le poste de directeur exécutif et artistique du CCA Berlin – Centre des arts contemporains, qu’il a fondé en 2022. Auparavant, il a été conservateur au Portikus de Francfort (2014-2018) et a travaillé comme conservateur adjoint à la Kunsthalle de Bâle et au Kunstinstituut Melly (anciennement Witte de With Center for Contemporary Art) à Rotterdam.

Sumesh Sharma est un curateur basé à Bombay qui s’intéresse particulièrement aux histoires alternatives de l’art, à la socio-économie et à la politique culturelle. Son travail explore les cultures immigrées, le modernisme vernaculaire et la conscience noire. Il a été commissaire de Dak’Art 2016 et travaille actuellement sur un vaste projet de recherche consacré à l’esthétique et à ses nouvelles orientations philosophiques émergeant en Inde et en Afrique. Il a récemment organisé Mind’s Cupboards, une rétrospective de l’artiste Lalitha Lajmi à la National Gallery of Modern Art de Mumbai, en 2023. Il a cofondé la Clark House Initiative en 2010 avec Zasha Colah. Il a été résident au Centre d’art contemporain de Lettonie (Riga), à la résidence Manifesta Online (San Art, Vietnam), aux Cités des Arts (Paris), à l’Art Sonje Center (Séoul), au Centre culturel d’Asie (Gwangju), au cours de formation des commissaires de la Biennale de Gwangju (Corée), à la Biennale de São Paulo, au Musée d’art contemporain (Santa Barbara), la Fondation d’art Kadist, l’ISCP de New York, l’Ekalokam Trust for Photography (Tiruvannamalai), l’Iaspis de Stockholm (Suède) et le College House (Colombo).Il a également été boursier de l’Independent Curators International pour le Sénégal en 2014, où il a mené des recherches sur la manière dont les mécanismes de financement de la culture et le soutien institutionnel aux institutions artistiques exploitent les structures de pouvoir mises en place par les lois coloniales. Sa pratique artistique explore les différentes strates à travers la matérialité politique et les échecs de l’histoire et de la théorie de l’art, tout en abordant le visuel comme un dialogue entre les perspectives de Cheikh Anta Diop et du Dr B.R. Ambedkar.

Natalia Sielewicz est historienne de l’art, écrivaine et curatrice en chef du Musée d’art moderne de Varsovie en Pologne où elle travaille depuis 2011. Ses champs de recherche, tant pour ses expositions que ses essais, portent sur le féminisme, la culture de l’affect, la biopolitique et la technologie. Elle a notamment assuré le commissariat des expositions suivantes : The Impermanent. Four Takes on the Collection (2025) (co-curaté avec Sebastian Cichocki, Tomasz Fudala, Magda Lipska, and Łukasz Ronduda), Warsaw under Construction: Museum between the Square and the Palace (2024) (co-curaté avec Fredi Fischli and Niels Olsen and Tomasz Fudala), Agnieszka Polska. The Thousand Year Plan (2021), Paint, also known as Blood. Women, Affect and Desire in Contemporary Painting (2019), Hoolifemmes (2017), The Dark Arts. Aleksandra Waliszewska and Symbolism of the East and North (2022, co-curaté avec Alison Gingeras, Ministry of the Interior. Intimacy as Text (2017), Private Settings (2014), Fedir Tetyanych. The Neverending Eye (2022), Bread and Roses. Artists and the Class Divide (2015, avec Łukasz Ronduda).

Eszter Szakács est chercheuse et curatrice à de Appel, Amsterdam. Elle occupe actuellement le poste de commissaire d’exposition à de Appel, à Amsterdam, où elle a également assumé les fonctions de directrice artistique par intérim entre octobre 2025 et mars 2026. Sa pratique s’intéresse aux formes collectives d’organisation et de commissariat, dans le but de mettre en relation des personnes et des initiatives sur le long terme. Elle a participé à plusieurs biennales organisées de manière collaborative et à des projets citoyens, notamment en tant que commissaire du programme invité de la 41e édition d’EVA International – la Biennale d’art contemporain d’Irlande, aux côtés de l’équipe EVA (2025) ; en tant que membre de l’équipe de commissariat des deuxième (2017) et troisième (2021) éditions de l’OFF-Biennale de Budapest, ainsi que de la participation de l’OFF-Biennale à la documenta fifteen en tant que membre de lumbung (2022). Sa recherche axée sur la pratique porte sur l’organisation artistique à la base. Elle est membre du groupe de recherche IMAGINART en tant que doctorante à l’ASCA de l’Université d’Amsterdam. En collaboration avec Naeem Mohaiemen, elle a coédité Solidarity Must Be Defended (2023), un recueil de projets d’arts visuels explorant la solidarité, qu’elle ait été concrétisée ou non, pendant la Guerre froide. De 2011 à 2020, elle a travaillé comme commissaire d’exposition et rédactrice chez tranzit.hu à Budapest, où elle a notamment organisé la première budapestienne de Two Meetings and a Funeral (2018) de Naeem Mohaiemen, coédité la revue internationale en ligne Mezosfera (2016–2020) et a édité le projet collaboratif Curatorial Dictionary (2012–2018). 

Reiko Tsubaki est commissaire d’exposition. Elle a rejoint le Mori Art Museum en 2002. Au Mori Art Museum, elle a organisé les expositions Médecine et art (2010), Univers et art (2016) (qui a fait l’objet d’une tournée à l’ArtScience Museum de Singapour en 2017), Leandro Elrich (2017), Roppongi Crossing (2019), STARS (2020-2021), Our Ecology (2023-2024), Louise Bourgeois (2024-2025) et The Architecture of Sou Fujimoto (2025). Dans le cadre d’autres projets, elle a présenté Ho Tzu Nyen, Tala Madani, Camille Henrot, Fuyuhiko Takata, Cyprien Gaillard, Cao Fei et Shota Yamauchi. Elle a également organisé les expositions MAM Research 006 : Chronicle Kyoto 1990s et MAM Research 011 : Tokyo Underground 1960s–1970s. En dehors du musée, elle a organisé les expositions The Cosmos as Metaphor (Kyoto, 2012), Duality of Existence: Post-Fukushima (New York, 2014) et Body, Love, Gender (Séoul, 2023). Elle a été professeure invitée à l’université d’art et de design de Seian (2013–2014) et chargée de cours à temps partiel à l’université Aoyama Gakuin (2019–2023). Elle écrit également, donne des conférences et siège en tant que membre du jury.

X Zhu-Nowell est conservateur·rice, écrivain·e et praticien·ne institutionnel·le basé·e entre Shanghai et New York. Iel est directeur·rice exécutif·ve et conservateur·rice en chef du Rockbund Art Museum (RAM), Shanghai. Sa pratique est façonnée par une écriture relationnelle et une approche ontologique de la conservation qui résiste aux exigences de cohérence, préférant travailler par la contradiction, le déplacement et le travail de la (mé)traduction. Le travail de Zhu-Nowell examine comment les expositions, les institutions et les publics sont continuellement remodelé·e·s par la mondialisation, les migrations et les infrastructures cachées des échanges culturels, en particulier dans le sillage des crises géopolitiques du XXe siècle.Zhu-Nowell donne des conférences internationales sur la pratique curatoriale, la forme institutionnelle et l’histoire transnationale de l’art, et a contribué à des catalogues, des revues et des plateformes d’édition expérimentales. Iel collabore régulièrement avec des artistes tel·le·s que Wang Shui, Irena Haiduk, Wu Tsang, Tosh Basco, Shubigi Rao, Ming Wong, Cici Wu, Diane Severin Nguyen, Evelyn Taocheng Wang, Kandis Williams, 44 Monthly, Wong Kit Yi et Jota Mombaça, entre autres. Avant de rejoindre le RAM, Zhu-Nowell était conservateur·rice au Solomon R. Guggenheim Museum de New York (2014–2021). Son exposition Wu Tsang : Anthem a été désignée comme l’une des meilleures expositions de 2021 par le The New York Times, et iel a fait partie de l’équipe curatoriale de Art and China after 1989 : Theater of the World. 

Vivian Ziherl est directrice du centre d’art Vleeshal à Middelburg, critique, commissaire d’exposition et chercheuse en art contemporain. Ayant grandi sur les terres des Turrbal et des Jagera, en Australie, elle est actuellement directrice du Centre d’art contemporain Vleeshal à Middelburg. Auparavant, elle a été responsable de la recherche et des programmes au Kunstinstituut Melly à Rotterdam (2019–2026) ; fondatrice et directrice de Frontier Imaginaries (2016–2019) ; commissaire de l’exposition If I Can’t Dance, I Don’t Want to Be Part of Your Revolution (2012–2014) ; et assistante de conservation au Kunstverein Amsterdam (2011–2012). En 2024, Ziherl a rejoint l’équipe de la 24e Biennale de Sydney, Ten Thousand Suns, en tant que conseillère curatoriale auprès des directeurs artistiques Cosmin Costinas et Inti Guerrero, aux côtés de Tony Albert, autochtone et fellow de la Fondation Cartier. En tant que commissaire indépendante, Ziherl a organisé Koloa : Women Art and Technology en collaboration avec Tunakaimanu Fielakepa et Cosmin Costinas (2019–2021), a fondé Landings (2013–2014) avec Natasha Ginwala, et a co-organisé les premiers programmes de performances de Stage It! au Stedelijk Museum d’Amsterdam avec Hendrik Folkerts (2011–2012) . Ziherl est titulaire d’un doctorat en études curatoriales de l’université Monash de Melbourne, sous la direction conjointe de Denise Ferreira da Silva.